Jörg Hüttner ist ein deutscher Filmkomponist, Synthesizer-Programmierer und Sounddesigner, dessen Arbeit die Welten der elektronischen Musik und des filmischen Scorings verbindet. Geboren in Ulm, Deutschland, begann Jörgs musikalische Reise in jungen Jahren. Durch Klavierunterricht fand er schnell seinen Weg, als ihn der elektronische Sound von Künstlern wie Depeche Mode oder Jean-Michel Jarre, unter anderem, faszinierte. Im Alter von 15 Jahren kreierte er bereits Sounds auf seinem ersten Synthesizer und legte so den Grundstein für eine lebenslange Leidenschaft.

Im März 2007 zog Jörg auf Anregung von Hans Zimmer nach Santa Monica, Kalifornien, um seine Karriere in der Filmmusik zu verfolgen. Seitdem ist er in der Welt der Filmmusik äußerst aktiv geblieben. Er hat an über 30 Filmen gearbeitet, zahlreiche Musiktitel für TV und Trailer geschrieben und wurde 2018 sogar für einen News & Documentary Emmy nominiert. Zum Beispiel hat Jörg die elektronische Klanglandschaft von Filmen wie „Girl on a Train“, „Fifty Shades of Grey“, „Independence Day: Resurgence“, „How It Ends“, „Army of Thieves“ sowie der HBO-Dokumentation „Cries from Syria“ gestaltet.

Ich bin ein Komponist, Musikproduzent und Synthesizer-Programmierer mit Sitz in Santa Monica, Kalifornien. Ich schreibe Musik und designe Sounds für Film, Fernsehen und alle anderen Medien, einschließlich Firmenkunden wie Automobilhersteller. Außerdem designe ich Sounds für Hardware- und Software-Instrumente.

Ich habe mit 15 meinen ersten Synthesizer gekauft, und die ersten Schritte waren nicht sehr ausgeklügelt, da es eine Weile dauerte, den Synthesizer zu verstehen, und er hatte keinen Sequencer. Ich konnte meine Ideen also nicht wirklich speichern, bis ich etwa ein Jahr später einen Hardware-Sequencer gekauft habe. Ab diesem Zeitpunkt konnte ich zumindest Ideen in Midi-Form speichern. Das war, bevor Computer weit verbreitet waren, um zu sequenzieren, geschweige denn aufzunehmen.

Das Herzstück meines Studios ist ein neuer, voll ausgestatteter Mac Pro. Selbst bei viel Hardware läuft heutzutage das Meiste „in the box“, und ich liebe die Performance, Stille und Stabilität von Computersystemen in der heutigen Zeit.
Hardware-seitig steht mein „Iridium“ direkt neben mir auf dem Schreibtisch, daher nutze ich ihn regelmäßig. Andere Hardware-Synthesizer, die ich verwende, sind ein Sequential „Pro3 SE“, Moog „Subsequent37“, ASM „HydraSynth“, Elektron „Syntakt“, Arturia „MatrixBrute“ und mein individuell konfiguriertes Eurorack-Modularsystem.

Ich komponiere mit Steinbergs neuestem „Cubase Pro“-DAW, und meine bevorzugten Instrumenten-Plugins sind u-he „Zebra2“ und „Diva“, NI „Kontakt 8“, Modartt „Pianoteq 8“, Arturias „Pigments“ sowie diverse Synth-, Effekt- und Distortion-Plugins von Arturia. Weitere Effekt-, Mixing- und Processing-Plugins stammen von PSP Audioware, Valhalla DSP, FabFilter, SoundToys, Oeksound und anderen.

Außerdem liebe ich meine ATC SMC25A Pro Lautsprecher. Ein gutes Paar Lautsprecher ist nicht zu unterschätzen.

Ich versuche, zu einem grundlegenden Unit-Patch zu kommen und von dort aus weiterzugehen. Das hilft mir in der Regel, herauszufinden, was ich mit den Oszillatoren, Filtern usw. machen kann und wie das Gerät wirklich klingt, ohne Einfluss von einem vorgefertigten Patch. Sollte die Benutzeroberfläche nicht intuitiv genug sein, werfe ich vielleicht einen kurzen Blick in ein Handbuch oder ein Video, aber in den meisten Fällen ist das nicht nötig. Als nächstes versuche ich möglicherweise, es in etwas zu verwenden, woran ich arbeite, um tiefer in die Funktionen einzutauchen und mehr darüber zu lernen.

In 99 % der Fälle designe ich meine eigenen Patches. Tatsächlich bin ich oft schneller, wenn ich von Grund auf neu anfange, als wenn ich endlos durch Patches scrolle, was mehr Zeit kostet, als man denkt.

Klangqualität, Bauqualität und intuitive Möglichkeiten, sich durch die Funktionen, Menüs usw. zu bewegen. Ein guter Synthesizer sollte es ermöglichen, die meisten Dinge zu verstehen, ohne ein Handbuch nachschlagen zu müssen. Und Innovation ist wichtig! Während ich gute Nachbildungen von Klassikern schätze, interessiere ich mich mehr für Hersteller, die neue Ansätze, neue Klangmotoren und andere frische Features ausprobieren.

Waldorf-Synthesizer spielen eine große Rolle in meiner Musik und sind teilweise der Grund, warum ich in die USA gezogen bin. Ich wurde in den frühen 90ern ein großer Fan von Waldorf-Synthesizern und habe 1995 den „Pulse“ gekauft, glaube ich. Er ist immer noch in meinem Rack. Ich begann 1998, Sounds für Waldorf zu designen, und Sounds für den „Q“ und „Microwave XT“ weckten das Interesse einiger LA-Komponisten, was zu persönlichen Kontakten und später zu ersten Projekten führte. Es half, dass ich auch ein paar Jahre Produktsupport für Waldorf gemacht und auf deren Messeständen gearbeitet habe.

Mein Interesse an elektronischer Musik begann bereits mit 9 Jahren, als ich meine erste Depeche Mode-Platte kaufte. Ich betrachte sie als meine Inspiration, in die Musik einzusteigen und sie zu meinem Beruf zu machen. Andere Künstler, die mich früh inspirierten, waren Jean-Michel Jarre und einige 80er-Jahre-Bands wie Ultravox, Frankie Goes To Hollywood, Propaganda usw.
Ich hatte Klavierunterricht ab dem Alter von 7 oder 8, aber ich war nicht wirklich ein Fan von den klassischen Sachen, die ich lernen musste. Später wurde ich klassischer Musik mehr zugetan. In den frühen 90er-Jahren fanden zahlreiche Industrial-Bands ihren Weg in meine Plattensammlung, wie Skinny Puppy, Nine Inch Nails, oder andere interessante Bands wie The Prodigy und Massive Attack. Ende der 90er wuchs mein Interesse an Filmmusik, und man hört immer noch Einflüsse aus dieser Musik in aktuellen Kompositionen, es sei denn, es handelt sich um etwas in einem völlig anderen Genre.

Ich war schon immer, und bin es immer noch, ein Nachtmensch. Ich beginne meinen Tag mit administrativen Aufgaben und Sport, sodass ich oft erst gegen 14–15 Uhr im Studio bin. Wenn ich keine Deadlines habe, verlasse ich das Studio in der Regel gegen 22–23 Uhr.

Das ist schwer zu sagen. Es hängt immer vom Projekt ab und davon, was dafür benötigt wird. Wenn ich Synthesizer programmieren oder Sounds für einen Komponisten oder ein Projekt designen soll, höre ich mir erste Ideen an und bespreche in einem Gespräch mit dem Komponisten, was benötigt oder gewünscht wird. Bei einem Unternehmensprojekt wird das stark von der Markenidentität, möglichen Marketingmaterialien, Recherchen oder allgemeinen Vorgaben des Kunden beeinflusst. Wenn ich für einen Film oder ein Projekt komponiere, wird das von der Geschichte, dem Drehbuch oder der Temp-Musik geprägt. Es ist nie dasselbe, was das Ganze so interessant macht.

Nicht wirklich, denn es kann ein Sample sein, das ich in einen Granular-Engine lade. Oder eine Melodie, die mir in den Kopf kommt und die ich schnell mit einem Klavier (sogar auf meinem iPhone) aufnehme, oder ich mache eine schnelle Sprachaufnahme. Manchmal spiele ich einfach mit einem Synth herum, was eine Idee auslöst. Je mehr Vorgaben es für ein Projekt gibt, desto einfacher ist es normalerweise, einen Startpunkt zu finden.

Wie balancierst du Fremdproduktionen für andere mit deinen persönlichen Projekten?
Kurz gesagt, schlecht. Ich sollte mich viel mehr auf meine eigene Musik konzentrieren, da ich dafür viele Komplimente bekomme, aber Rechnungen müssen bezahlt werden, und es gibt kaum etwas, das ich ablehne. Manche Projekte bringen eine interessante Herausforderung mit sich, die ich nicht verpassen möchte. Das gesagt, hoffe ich, dass ich mich bald wieder mehr auf meine eigenen Projekte konzentrieren kann.

Kurz gesagt, schlecht. Ich sollte mich viel mehr auf meine eigene Musik konzentrieren, da ich dafür viele Komplimente bekomme, aber Rechnungen müssen bezahlt werden, und es gibt kaum etwas, das ich ablehne. Manche Projekte bringen eine interessante Herausforderung mit sich, die ich nicht verpassen möchte. Das gesagt, hoffe ich, dass ich mich bald wieder mehr auf meine eigenen Projekte konzentrieren kann.

Der erste Schritt ist immer, die Anweisungen meiner Kunden zu erhalten. Das bestimmt manchmal die Tools, die ich für das Projekt verwenden werde. Je härter und industrieller beeinflusst ein Projekt ist, desto mehr rückt mein Modularsystem in den Fokus. Manchmal bekomme ich Aufnahmen, die im Sounddesign verwendet werden sollen, was bereits eine klare Richtung vorgibt. Wenn ich das Projekt teilen können muss, wird es höchstwahrscheinlich komplett „in the box“ umgesetzt.

Die ersten Sounds machen oft am meisten Spaß, da man das neue Gerät oder die neue Software erkunden und sehen kann, wohin es einen führt. In manchen Fällen gibt es Anfragen für bestimmte Arten von Sounds wie Bässe, Pads, Leads etc. in spezifischen Mengen, was einschränkend sein kann, wenn man hauptsächlich Ideen für einen bestimmten Typ hat. Bei größeren Soundsets wird es schwieriger, je mehr Sounds designt werden müssen, da einem irgendwann einfach die Ideen ausgehen. Das hängt jedoch auch von der Vielseitigkeit eines Instruments ab.

Ich habe gerade ein Projekt mit einem Kollegen aus München abgeschlossen. Es handelte sich um ein Unternehmensprojekt für ein Auto-Entertainment-System, das Anfang 2025 auf der CES vorgestellt wird. Ich kann nicht zu viel darüber sagen, bis es offiziell präsentiert wird, aber es war für Harman Kardon.

Ein weiteres Projekt, das ich gerade abschließe, ist eine moderne Interpretation von Big Beat mit der deutsch-griechischen Sängerin SOFI (bekannt z. B. von Deadmau5′ „SOFI needs a ladder“) für eine Produktionsbibliothek / Trailer-Musikfirma für Sync-Platzierungen.