Ambientmusik mit Thomas Lemmer entdecken

Heute sprechen wir mit Thomas Lemmer, einem Musikproduzenten und Komponisten aus Deutschland, der seit vielen Jahren erfolgreich Musik veröffentlicht und ein intensiver Nutzer von Waldorf-Synthesizern ist. Bei dieser Gelegenheit haben wir mit ihm über seine Karriere und seine Sicht auf die vielfältige Ambient-Musikszene gesprochen. Ein Genre in dem Synthesizer eine große Rolle spielen, das sich durch musikalische Experimente auszeichnet und im Laufe der Jahre viele Diskussionen und Debatten ausgelöst hat.

Aber fangen wir mit Thomas an. Als autodidaktischer Musikproduzent, bekannt für seine immersiven Klanglandschaften im Bereich der elektronischen und Ambient-Musik, beschreibt er Musik nicht nur als Kunst, sondern auch als Werkzeug für Wohlbefinden. Er hat Jahrzehnte damit verbracht, musikalische Landschaften zu komponieren, die darauf ausgelegt sind, Zuhörern beim Entspannen, Fokussieren und Träumen zu helfen.

Er begann als Teenager, Musik zu schreiben und sich mit Produktion zu beschäftigen, doch seine musikalische Reise begann schon in noch jüngeren Jahren, nachdem sein Vater ihm ein Klavier geschenkt hatte. Interessanterweise widmete er sich mit sechzehn mehrere Jahre dem Studium der Kirchenorgel, was auch sein musikalisches Verständnis erweiterte.

„Die Orgel hat mir viel über Klang im Raum und die verschiedenen Texturen beigebracht, die sie erzeugen kann. Du lernst wirklich, wie sich Klang in einem Raum entwickelt und verklingt, wie die Hörposition das Erlebnis verändert und wie sehr deine Anschlagweise und Phrasierung zählen, selbst bei einem Instrument, das sich riesig und architektonisch anfühlen kann. […] Ich würde sagen, das hat meine musikalischen Entscheidungen absolut geprägt. Ich denke immer noch an bestimmte Orgelstunden zurück, wenn ich arrangiere, besonders wenn ich an Streichern arbeite oder lange, sich entwickelnde Abschnitte aufbaue. Diese ganze Idee, dass Klang in einem Raum lebt – und im Kopf des Hörers – ist bis heute ein zentraler Bestandteil meiner Produktionen.“

 

Im Laufe der Jahre hat sich Thomas auf Genres wie Ambient, Electronica und Downtempo konzentriert. Er hat viele Alben wie Hope, Still, Zero Gravity und Dreamscapes veröffentlicht, Chartplatzierungen erreicht und viel Anerkennung erhalten, darunter den German Songwriting Award 2025 für seinen Track Nocturnal Embrace.

Seiner Sicht nach sind Hardware-Synthesizer im Studio  seine wesentlichen kreativen Werkzeuge, die er als besonders geeignet für diese Ambient-Klanglandschaften empfindet.

Im Laufe der Jahre hat sich Thomas auf Genres wie Ambient, Electronica und Downtempo konzentriert. Er hat viele Alben wie Hope, Still, Zero Gravity und Dreamscapes veröffentlicht, Chartplatzierungen erreicht und viel Anerkennung erhalten, darunter den German Songwriting Award 2025 für seinen Track Nocturnal Embrace.

Seiner Sicht nach sind Hardware-Synthesizer im Studio  seine wesentlichen kreativen Werkzeuge, die er als besonders geeignet für diese Ambient-Klanglandschaften empfindet.

„Synthesizer können diese außerweltlichen Klänge und Atmosphären erzeugen, in die du eintauchen willst. Sie können eine Textur sein, die sich wie Zuhause anfühlt, oder eine Stimmung, die dich sofort dazu inspiriert, eine Melodie darüber zu schreiben. Es ist, als würdest du die Augen schließen und in eine andere Welt eintreten.

Wavetable-Synths wie der Waldorf Blofeld oder Iridium sind mit ihren flexiblen Modulationsmöglichkeiten perfekt für Ambient-Klanglandschaften. Die Bandbreite an Bewegung und Variation, die du in einen Klang einbauen kannst, ist enorm.“

Zentral für Thomas’ Sound ist seine langjährige Beziehung zu Waldorf-Synthesizern. Seit über einem Jahrzehnt sind Instrumente wie der Iridium, Blofeld, Pulse 2, der Zarenbourg sowie mehrere Waldorf-VSTs integraler Bestandteil seines kreativen Prozesses.

 

„Viele meiner Tracks wurden maßgeblich vom Klang eurer Synthesizer geprägt, besonders auf meinen Dolby-Atmos-Alben wie Hope, Dreamscapes und dem Kollaborationsprojekt One Vision mit Oine. […] Ich finde Klänge im Allgemeinen zutiefst inspirierend, und Waldorf-Synths haben dabei für mich eine große Rolle gespielt. Sie geben mir die Freiheit, Sounds schnell zu formen oder Presets genau so zu verändern, dass sie zu dem passen, was ich brauche, und gleichzeitig kreativ und individuell in meinem Ausdruck zu bleiben. Waldorf-Synths eignen sich besonders gut für Ambient-Musik, da sie beeindruckend tief in Bezug auf Sounddesign und kreative Möglichkeiten gehen. Besonders der Iridium ist absolut überwältigend.“

„Viele meiner Tracks wurden maßgeblich vom Klang eurer Synthesizer geprägt, besonders auf meinen Dolby-Atmos-Alben wie Hope, Dreamscapes und dem Kollaborationsprojekt One Vision mit Oine. […] Ich finde Klänge im Allgemeinen zutiefst inspirierend, und Waldorf-Synths haben dabei für mich eine große Rolle gespielt. Sie geben mir die Freiheit, Sounds schnell zu formen oder Presets genau so zu verändern, dass sie zu dem passen, was ich brauche, und gleichzeitig kreativ und individuell in meinem Ausdruck zu bleiben. Waldorf-Synths eignen sich besonders gut für Ambient-Musik, da sie beeindruckend tief in Bezug auf Sounddesign und kreative Möglichkeiten gehen. Besonders der Iridium ist absolut überwältigend.“

Wie begann deine Beziehung zu Waldorf Music, und welche Waldorf-Tools verwendest du derzeit in deinem Studio?

„Es begann mit dem Waldorf Blofeld. Ich war in einem Musikgeschäft, habe ein wenig darauf gespielt und mich sofort verliebt. Ich habe einen gekauft und ihn bei vielen Aufnahmen verwendet, besonders auf meinem Album AMBITRONIC. Ich benutze auch das Waldorf Zarenbourg E-Piano für Schreibsessions. […] Für mein kommendes Album DREAMSCAPES II habe ich einige Live-Aufnahmen mit dem Zarenbourg gemacht. Und ich habe den Iridium ziemlich oft für Texturen, Pads und andere interessante Ambient-Sounds verwendet.

Mit dem Iridium beginne ich oft mit einer einfachen harmonischen Idee oder einer grundlegenden Textur und forme sie dann durch Modulation, subtile Bewegung und geschichtete Details zu etwas, das sich lebendig anfühlt. Diese Art von sich entwickelnden Sounds ist ein großer Teil davon, wie ich in meiner aktuellen Arbeit Atmosphäre aufbaue. Dieser Synth ist ein Traum für Sounddesigner, er ist unglaublich inspirierend und sehr flexibel.“

Wie nutzt du Waldorf-Synths in deinem Workflow?

„Wenn ich an melodiefokussierten Ambient-Stücken arbeite, benutze ich oft den Waldorf Zarenbourg, weil er mich einlädt, sofort zu schreiben, ohne den Computer oder die Lautsprecher einzuschalten. Wenn ich nach Texturen oder ungewöhnlicheren, herausstechenden Sounds suche, verwende ich den Blofeld oder den Iridium.

Ein Beispiel ist ein sich entwickelndes Pad, das ich auf dem Blofeld gebaut habe, mit langsamer Filterbewegung und subtiler Modulation, sodass es sich nie zweimal gleich wiederholt. Es liegt hinter dem Klavier wie eine atmende Schicht und lässt den Track breiter wirken, ohne im Weg zu stehen. Der Iridium ist ein riesiger Synth, und ich liebe den unmittelbaren Zugriff auf seine Parameter und sein Sounddesign-Potenzial. Ich habe ihn viel auf meinem neuesten Ambient-Album DREAMSCAPES verwendet.“

Wie begann deine Beziehung zu Waldorf Music, und welche Waldorf-Tools verwendest du derzeit in deinem Studio?

„Es begann mit dem Waldorf Blofeld. Ich war in einem Musikgeschäft, habe ein wenig darauf gespielt und mich sofort verliebt. Ich habe einen gekauft und ihn bei vielen Aufnahmen verwendet, besonders auf meinem Album AMBITRONIC. Ich benutze auch das Waldorf Zarenbourg E-Piano für Schreibsessions. […] Für mein kommendes Album DREAMSCAPES II habe ich einige Live-Aufnahmen mit dem Zarenbourg gemacht. Und ich habe den Iridium ziemlich oft für Texturen, Pads und andere interessante Ambient-Sounds verwendet.

Mit dem Iridium beginne ich oft mit einer einfachen harmonischen Idee oder einer grundlegenden Textur und forme sie dann durch Modulation, subtile Bewegung und geschichtete Details zu etwas, das sich lebendig anfühlt. Diese Art von sich entwickelnden Sounds ist ein großer Teil davon, wie ich in meiner aktuellen Arbeit Atmosphäre aufbaue. Dieser Synth ist ein Traum für Sounddesigner, er ist unglaublich inspirierend und sehr flexibel.“

Wie nutzt du Waldorf-Synths in deinem Workflow?

„Wenn ich an melodiefokussierten Ambient-Stücken arbeite, benutze ich oft den Waldorf Zarenbourg, weil er mich einlädt, sofort zu schreiben, ohne den Computer oder die Lautsprecher einzuschalten. Wenn ich nach Texturen oder ungewöhnlicheren, herausstechenden Sounds suche, verwende ich den Blofeld oder den Iridium.

Ein Beispiel ist ein sich entwickelndes Pad, das ich auf dem Blofeld gebaut habe, mit langsamer Filterbewegung und subtiler Modulation, sodass es sich nie zweimal gleich wiederholt. Es liegt hinter dem Klavier wie eine atmende Schicht und lässt den Track breiter wirken, ohne im Weg zu stehen. Der Iridium ist ein riesiger Synth, und ich liebe den unmittelbaren Zugriff auf seine Parameter und sein Sounddesign-Potenzial. Ich habe ihn viel auf meinem neuesten Ambient-Album DREAMSCAPES verwendet.“

Bei unserem Gespräch mit Thomas und seinem Background wird ein wiederkehrendes Thema deutlich: Seine Musik ist nicht einfach nur „Musik zum Hören“.

„Musik war für mich schon immer eine Möglichkeit, Schönheit in die Welt zu bringen. Ich möchte Ambient-, Chillout- und elektronische Musik schaffen, die dir hilft, dich zu entspannen, dich zu fokussieren oder zu träumen – Musik, die auf einer tieferen Ebene resoniert.“

Dieser Fokus auf Intention und Erfahrung ist in den Genres, die er erkundet, ziemlich verbreitet. Schauen wir uns zum Beispiel die Ambient-Musik genauer an. Thomas’ Geschichte mit diesem Genre ist bereits sehr repräsentativ für das, was es besonders macht:

„In meiner Jugend habe ich eigentlich keine Ambient-Musik gehört. Das änderte sich 2004, als ich im Urlaub auf Fehmarn war. Ich saß in einem Strandcafé und hörte Café-del-Mar-Musik. Als ich nach Hause kam, hatte ich diese Stimmung und diesen Klang noch im Kopf, also begann ich, an etwas Ähnlichem zu arbeiten. Einer meiner frühen Tracks wurde dann für die Café-del-Mar-Compilation-Reihe ausgewählt. Von da an habe ich diese Welt entdeckt und bin immer tiefer eingetaucht. Rückblickend war es der richtige Weg für mich. Es verbindet meinen klassischen Hintergrund mit meiner Faszination für Synthesizer und Sounddesign.“

Dieser Fokus auf Intention und Erfahrung ist in den Genres, die er erkundet, ziemlich verbreitet. Schauen wir uns zum Beispiel die Ambient-Musik genauer an. Thomas’ Geschichte mit diesem Genre ist bereits sehr repräsentativ für das, was es besonders macht:

„In meiner Jugend habe ich eigentlich keine Ambient-Musik gehört. Das änderte sich 2004, als ich im Urlaub auf Fehmarn war. Ich saß in einem Strandcafé und hörte Café-del-Mar-Musik. Als ich nach Hause kam, hatte ich diese Stimmung und diesen Klang noch im Kopf, also begann ich, an etwas Ähnlichem zu arbeiten. Einer meiner frühen Tracks wurde dann für die Café-del-Mar-Compilation-Reihe ausgewählt. Von da an habe ich diese Welt entdeckt und bin immer tiefer eingetaucht. Rückblickend war es der richtige Weg für mich. Es verbindet meinen klassischen Hintergrund mit meiner Faszination für Synthesizer und Sounddesign.“

Aber was genau verstehen wir unter Ambient-Musik? Thomas’ Ansatz spiegelt dieses interessante Gleichgewicht zwischen Intentionalität und Immersion wider, macht aber auch einige der Kontroversen sichtbar:

„Das Ambient-Feld ist sehr breit, und manchmal fällt es mir selbst schwer, eine strenge Definition zu finden. Für mich ist Ambient-Musik Musik, die eine Stimmung oder eine Umgebung schafft. Sie kann dich entspannt, fokussiert, verträumt, melancholisch oder einfach präsent fühlen lassen – im Moment, im Flow.

Die beste Ambient-Musik zieht dich hinein, verbindet dich mit deinem inneren Selbst und erzählt ihre eigene Geschichte. Manche sehen Ambient-Musik als Hintergrundmusik, aber wenn sie gut gemacht ist, kann sie zu den tiefsten musikalischen Erfahrungen gehören, die du machen kannst. Und dass das Genre so breit ist, ist eigentlich ein großer Vorteil – du kannst Einflüsse aus vielen verschiedenen Stilen hören.

Mein Ansatz ist stark von Gefühl und Klang geprägt. Da ich vom klassischen Klavier komme, spielen Melodie, Harmonie und Struktur eine große Rolle in meiner Musik. Texturen, Synths und Sounddesign unterstützen diese Grundlage und setzen auch den emotionalen Ton. Manchmal beginne ich am Klavier, und manchmal beginne ich mit einem Pad oder einer Synth-Textur, die mich später zur Melodie und Struktur führt.“

Aber was genau verstehen wir unter Ambient-Musik? Thomas’ Ansatz spiegelt dieses interessante Gleichgewicht zwischen Intentionalität und Immersion wider, macht aber auch einige der Kontroversen sichtbar:

„Das Ambient-Feld ist sehr breit, und manchmal fällt es mir selbst schwer, eine strenge Definition zu finden. Für mich ist Ambient-Musik Musik, die eine Stimmung oder eine Umgebung schafft. Sie kann dich entspannt, fokussiert, verträumt, melancholisch oder einfach präsent fühlen lassen – im Moment, im Flow.

Die beste Ambient-Musik zieht dich hinein, verbindet dich mit deinem inneren Selbst und erzählt ihre eigene Geschichte. Manche sehen Ambient-Musik als Hintergrundmusik, aber wenn sie gut gemacht ist, kann sie zu den tiefsten musikalischen Erfahrungen gehören, die du machen kannst. Und dass das Genre so breit ist, ist eigentlich ein großer Vorteil – du kannst Einflüsse aus vielen verschiedenen Stilen hören.

Mein Ansatz ist stark von Gefühl und Klang geprägt. Da ich vom klassischen Klavier komme, spielen Melodie, Harmonie und Struktur eine große Rolle in meiner Musik. Texturen, Synths und Sounddesign unterstützen diese Grundlage und setzen auch den emotionalen Ton. Manchmal beginne ich am Klavier, und manchmal beginne ich mit einem Pad oder einer Synth-Textur, die mich später zur Melodie und Struktur führt.“

Ambient-Musik ist vieles, weshalb sie schon lange ein Genre ist, das Diskussionen anregt. Der Begriff wurde von Brian Eno eingeführt und popularisiert, obwohl Künstler wie Erik Satie oder John Cage als Vorläufer gelten. Eno prägte ihn Mitte der 1970er Jahre mit seinem Album Ambient 1: Music for Airports (1978). Damals beschrieb er Ambient-Musik als etwas, das „so ignorierbar wie interessant“ sein könne.

Im Laufe der Zeit entwickelte sich der Begriff weiter und wurde als weit mehr als bloßer Hintergrundklang anerkannt. Heute wird er weithin respektiert und als Genre anerkannt, das durch seine Betonung von Klang und Atmosphäre, traditionelle musikalische Strukturen aufbricht und  damit ein einzigartiges Hörerlebnis bietet.

Dennoch macht seine vielfältige Natur es schwer, es eindeutig zu definieren. Manche Hörer sehen es als „einfache“ Hintergrund- oder Stimmungsbegleitmusik, während andere es als eine immersive Kunstform betrachten, die die Wahrnehmung verändern kann. Das führt oft zu Debatten über seinen künstlerischen Wert.

In jüngster Zeit haben sich diese Diskussionen auch in die digitale Musikwelt ausgeweitet, in der Streaming-Plattformen stimmungsbasierte Playlists geschaffen haben, die Musik nach Zuständen wie „Chill“, „Focus“, „Sleep“ usw. kategorisieren.

Auch wenn dieses System es Ambient-Musik und Künstlern erleichtert, Hörer zu erreichen, die gezielt nach bestimmten Erfahrungen suchen, weisen einige Stimmen darauf hin, dass es das Genre auch auf eine einfache funktionale Rolle reduziert und tiefere emotionale Ebenen ignoriert.

„Playlist-Platzierungen auf Spotify zu bekommen, ist Teil des Spiels geworden. Du musst dort präsent sein, um in der riesigen Menge an neuer Musik, die jeden Tag veröffentlicht wird, zu bestehen. Die Leute entdecken dich über diese Playlists, und das hilft definitiv beim Wachstum als Künstler.

Aber künstlerisch gesehen bin ich sehr stark ein Albumkünstler. Ich konzentriere mich zuerst auf Alben, weil ich möchte, dass meine Hörer eine bestimmte Erfahrung machen und tiefer in meine musikalische Welt eintauchen. Auch wenn Streaming sehr auf einzelne Tracks ausgerichtet ist, sehe ich immer noch viel Wert in Alben.

Für Hörer, die sich wirklich für einen Künstler interessieren oder gerade jemanden neu entdeckt haben, ist ein Album der beste Weg, das große Ganze und die Geschichte hinter der Musik zu verstehen.

Gleichzeitig genieße ich Playlists für bestimmte Stimmungen und zum Entdecken neuer Musik. Beide Welten sind großartig. Normalerweise wählen mein Label und ich, wenn ich ein Album fertiggestellt habe, die Tracks aus, die am besten zu bestimmten Playlists passen, unterstützen diese Songs durch Pitching und nutzen gleichzeitig Playlist-Platzierungen, um die Leute wieder zum vollständigen Album und seiner größeren Geschichte zurückzuführen.

In meinem Prozess denke ich also zuerst in Alben, und dann suche ich nach Songs, die im Playlist-Kontext am besten funktionieren, und pitche sie entsprechend. Wenn mich jemand über eine Playlist entdeckt, hoffe ich immer, dass er sich auch die Zeit nimmt, ein ganzes Album zu erleben – dort entfaltet sich die Geschichte wirklich.“

„Playlist-Platzierungen auf Spotify zu bekommen, ist Teil des Spiels geworden. Du musst dort präsent sein, um in der riesigen Menge an neuer Musik, die jeden Tag veröffentlicht wird, zu bestehen. Die Leute entdecken dich über diese Playlists, und das hilft definitiv beim Wachstum als Künstler.

Aber künstlerisch gesehen bin ich sehr stark ein Albumkünstler. Ich konzentriere mich zuerst auf Alben, weil ich möchte, dass meine Hörer eine bestimmte Erfahrung machen und tiefer in meine musikalische Welt eintauchen. Auch wenn Streaming sehr auf einzelne Tracks ausgerichtet ist, sehe ich immer noch viel Wert in Alben.

Für Hörer, die sich wirklich für einen Künstler interessieren oder gerade jemanden neu entdeckt haben, ist ein Album der beste Weg, das große Ganze und die Geschichte hinter der Musik zu verstehen.

Gleichzeitig genieße ich Playlists für bestimmte Stimmungen und zum Entdecken neuer Musik. Beide Welten sind großartig. Normalerweise wählen mein Label und ich, wenn ich ein Album fertiggestellt habe, die Tracks aus, die am besten zu bestimmten Playlists passen, unterstützen diese Songs durch Pitching und nutzen gleichzeitig Playlist-Platzierungen, um die Leute wieder zum vollständigen Album und seiner größeren Geschichte zurückzuführen.

In meinem Prozess denke ich also zuerst in Alben, und dann suche ich nach Songs, die im Playlist-Kontext am besten funktionieren, und pitche sie entsprechend. Wenn mich jemand über eine Playlist entdeckt, hoffe ich immer, dass er sich auch die Zeit nimmt, ein ganzes Album zu erleben – dort entfaltet sich die Geschichte wirklich.“

Trotz aller Debatten wächst die Popularität von Ambient-Musik weiter, wahrscheinlich auch, weil sie auf ein tiefes menschliches Bedürfnis reagiert, langsamer zu werden und zu reflektieren.

Für viele Künstler, einschließlich Thomas, geht es dabei nicht nur um Hintergrundklang, sondern darum, Umgebungen zu gestalten, die den Zuhörern helfen, bestimmte Zustände der Selbstwahrnehmung zu erreichen. Zustände, die wir heute vielleicht mehr denn je brauchen.

Unabhängig von allen Perspektiven ist es für uns immer großartig zu sehen, wie unsere Instrumente von Künstlern wie Thomas ausgewählt und genutzt werden, um eine besondere Verbindung mit dem Hörer herzustellen. Wie wir gerne sagen: Instrumente sollten mehr als bloße Werkzeuge sein – sie sollten zu Kollaborateuren und Komplizen dieser Kommunikation werden.

Wir freuen uns zu sehen, dass dies tatsächlich passiert!
Wir laden dich ein, in Thomas’ Klangwelt einzutauchen und deine eigene Reise zu beginnen.

Thomas Lemmer Website
linktr.ee/ThomasLemmer

Trotz aller Debatten wächst die Popularität von Ambient-Musik weiter, wahrscheinlich auch, weil sie auf ein tiefes menschliches Bedürfnis reagiert, langsamer zu werden und zu reflektieren.

Für viele Künstler, einschließlich Thomas, geht es dabei nicht nur um Hintergrundklang, sondern darum, Umgebungen zu gestalten, die den Zuhörern helfen, bestimmte Zustände der Selbstwahrnehmung zu erreichen. Zustände, die wir heute vielleicht mehr denn je brauchen.

Unabhängig von allen Perspektiven ist es für uns immer großartig zu sehen, wie unsere Instrumente von Künstlern wie Thomas ausgewählt und genutzt werden, um eine besondere Verbindung mit dem Hörer herzustellen. Wie wir gerne sagen: Instrumente sollten mehr als bloße Werkzeuge sein – sie sollten zu Kollaborateuren und Komplizen dieser Kommunikation werden.

Wir freuen uns zu sehen, dass dies tatsächlich passiert!
Wir laden dich ein, in Thomas’ Klangwelt einzutauchen und deine eigene Reise zu beginnen.